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May 15, 2023

As cenas finais são um nocaute: Don Giovanni de Glyndebourne revisado

Richard Bratby Glyndebourne Festival Opera, em representação até 15

Richard Bratby

Glyndebourne Festival Opera, em cartaz até 15 de julho

Garsington Opera, em representação até 22 de julho

Você deveria rir no final de Don Giovanni? O público costuma fazer isso, e eles fizeram no final da nova produção de Mariame Clément em Glyndebourne. Geralmente é a parte em que o noivo de Donna Anna, Don Ottavio, sugere que eles se casem rapidamente, e ela imediatamente pede a ele um ano de atraso. Os leitores de Middlemarch saberão que o luto formal de um ano após a morte de um parente próximo era uma convenção pré-moderna comum, e os escritos de Mozart sugerem que ele (se não fosse seu libretista) não questionava a santidade do casamento nem a realidade do Inferno. Isso não incomoda muitos diretores modernos, porém, e se eles apresentaram Anna como uma chefe foda e Ottavio como um leiteiro pegajoso (não tão difícil, para ser justo), geralmente obtém uma gargalhada confiável.

Não foi o caso aqui, exatamente. É verdade que havia muito do que rir - o compromisso tardio de Elvira com uma vida de oração é outro gatilho para a alegria contemporânea, intensificada neste caso pelo fato de que acabamos de vê-la tentando fazer sexo oral em Leporello. Mas não parecia uma risada de uma piada; mais como a liberação genuína de tensão que da Ponte presumivelmente pretendia, e que Mozart escreveu nas colcheias brilhantes e quase histéricas que introduzem o conjunto final. Na produção de Clément houve realmente um choque contra o qual reagir. O destino de Giovanni foi tão surpreendente e visualmente espetacular quanto qualquer público do século 18 poderia desejar. Sem falsificações pós-modernas aqui: você não tem dúvidas de que poderes superiores estão em jogo e que o Don (Andrey Zhilikhovsky) é basicamente um brinde.

O destino de Giovanni foi tão surpreendente e visualmente espetacular quanto qualquer público do século 18 poderia ter desejado.

O Ottavio de Oleksiy Palchykov, por sua vez, não era um namorado de sitcom, mas uma figura de integridade e peso, por mais ineficaz que fosse sua campanha contra Giovanni. O tenor de Palchykov é mais elegante do que sensual, mas ele moldou suas falas com tal equilíbrio e sinceridade que dava para entender por que Leporello (Mikhail Timoshenko) estava ouvindo com todo sinal de admiração: a alternativa a Giovanni não parecia nada ruim. Este Leporello já está meio desapaixonado por seu mestre – um companheiro perspicaz e mais do que habitualmente ambíguo que, com seu terno marrom, óculos e bigode (o cenário era um hotel resort moderno, infestado de despedidas de solteiro), parecia um balconista em uma comédia italiana da nova onda. Seu arco de personagem, desta vez, não é o que você poderia esperar.

Clément torna Giovanni atraente sem glamourizá-lo (ou pelo menos, glamourizá-lo mais do que Mozart, da Ponte e nossos próprios instintos básicos exigem). Há um arrepio frio nas bordas do arrojado barítono de Zhilikhovsky que contrasta significativamente com o canto mais simples, porém mais caloroso, de Timoshenko, e aponta o cinismo de seus encontros com Anna e Elvira (Venera Gimadieva e Ruzan Mantashyan, ambos os quais conseguiram projetar doçura também como aço) e até mesmo a garota festeira de Victoria Randem, Zerlina. A caracterização de certa forma levou o drama aos remendos (perceptíveis no Ato Dois) onde a direção de Clément parecia gaguejar. Mas no banquete final - com Giovanni esparramado em seu colete em cima de um bolo de creme gigantesco e apodrecido (jogo justo para o departamento de adereços; foi o suficiente para tirar você do seu Nyetimber) - tudo se juntou no ritmo e novamente, aqueles finais cenas foram um nocaute.

Fique atento também ao maestro Evan Rogister, que fez isso com uma verve incrível e fez a Orquestra da Era do Iluminismo tocar com um virtuosismo imprudente e impetuoso que (provavelmente injustamente) eu realmente não esperava deles. Os metais rugiram, a percussão trovejou e nas cenas culminantes tudo ferveu e inundou o auditório com harmonias e cores de escuridão e poder wagnerianos. A ópera clássica tardia realmente combina com instrumentos de época. O OAE estava pegando fogo em Glyndebourne e em Garsington the English Concert (uma orquestra cujo próprio diretor musical uma vez desistiu por puro tédio) fervia como um Aperol spritz. Douglas Boyd (um maestro seriamente subestimado) esculpiu, e a ópera foi Il barbiere di Siviglia, de Rossini.